Céramystic 2023
Expo-vente
Designer graphique de formation et inspirée par la photographie de nature morte et la symétrie du monde végétal, Pascale Tétreault s'amuse à explorer la matière en jumelant technique de tournage traditionelle et recherche approfondie d'émaux et de glaçures. Son image de marque est caractérisée par la simplicité, l'élégance, la symétrie et l'intemporalité.
Maggie Jalbert est fascinée par les processus transformateurs de l'argile alliée aux vastes possibilités des glaçures, mariant ainsi terre et verre. Son intention est de laisser transparaître les traces de ses gestes, créant l'histoire d'un parcours créateur tout en y révélant la matière et les effets propres aux transformations de la cuission. Elle présentera à Céramystic une collection caractérisée par l'imprévisibilité et l'aspect inattendu des cuissons au gaz ainsi que de l'enfumage.
Fabienne Synnott crée des objets du quotidien qui appellent l'intériorité. Elle conçoit ses pieces comme des portails qui offrent à l'utilisateur la possibilité d'entrer en soi, particulièrement les pièces conçues pour boire. Ces objets pour rituels quotidiens se démarquent par leur prise en main naturelle et confortable, par les contrastes de textures émaillées versus terre nue, par les textures et les variations subtiles des glaçures qui invitent la présence à soi, au voyage intérieur. Chacune de ses pièces est traitée comme une sculpture à part entière.
Son processus est bien différent de celui de la production en série. Isabelle Simard tient à ce que chacune de ses collections ait été pensée et réfléchie individuellement. Pour Simard, le refus de produire en masse constitue un geste de résistance et partager son quotidien entre l’horticulture et la fleuristerie lui permet de s’éloigner de la performance. Elle tend à créer dans le moment présent comme une saison qui se renouvelle sans cesse.
Isabelle Simard nous présentera une collection qui rappelle le temps bien souvent révolu qu’est l’enfance.
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L'image de marque d'Amélie Pomerleau se définit par la poésie du geste, le symbolisme et l'humanisme. Se considérant artiste multidisciplinaire, sa pratique principale, depuis près d’une dizaine d’année, est la céramique. Pour elle, la symbolique de la transformation se révèle à travers la céramique. Ses agencements infinis de façonnage, finition et cuisson en font une discipline qui ne cesse de susciter sa curiosité et son élan de recherche.
Sa pratique se fait sur un tour à potier pour les pièces utilitaires et en façonnage pour les pièces sculpturales. Marko Savard navigue entre ces deux univers tout en cherchant une satisfaction et un équilibre. Sa production est composée de petites collections d'objets revisitées à l'occasion, tantôt ludiques et colorées, d'autres fois plus sobres et obscurs. Il propose avec les objets qu'il fabrique une vision bien personnelle de la céramique qui portent bien sa signature.
Le travail de Suki Craig cherche à allier la simplicité des formes au mouvement naturel du tour en imprégnant dans ses pièces des traces de gestes délicats. Elle s'intéresse particulièrement à la réalisation de petites séries et de pièces uniques. Elle s'inspire grandement de la nature qu'elle rencontre pendant ses marches urbaines. Elle intègre à ses pièces des éléments naturels comme des branches de saules, des tiges de vigne, des morceaux de bois. Elle s'inspire également d'objets anciens pour créer de nouveaux concepts.
Pour Eve m Laliberté, la découverte du médium céramique lui a permis de relier quelques-unes de ses contradictions; la rigueur et la désinvolture, l’ordre et le chaos, l’impulsivité et la réflexion. Eve aime la liberté, créer pour partager.Elle nous présentera une collection empreinte de rigueur mais qui laisse place à la liberté des accidents durant la création.
Dubord emploie cette citation d'Iris Apfel pour résumer son travail : « More is more and less is a bore ». Elle propose un esthétisme hétéroclite et exubérant où chaque pièce est unique. Son travail s’inspire entre autre de l'heure du thé du Chapelier fou (Mad hatter – Alice au Pays des Merveilles). Les combinaisons inattendues de motifs anciens et nouveaux, répétables et superposables font partie de sa façon d’aborder son travail de céramiste. Elle aime parler du passé au présent, faire revivre les souvenirs anciens dans le quotidien. Elle utilise le terme (inventé) de « poético-ludique intime » quand elle parle de son travail.
Dubord Céramiste | Verrier nous présentera une collection qui parlera du passé au présent. Qui fera revivre les souvenirs anciens dans le quotidien.
Son amour pour la poterie est avant tout ancré dans ses traditions fonctionnelles. Le travail de Natanya Nerenberg est une exploration du médium et de l'histoire, avec un intérêt marqué pour la géométrie et la forme. Son intention est d'offrir un produit qui élève le vécu du quotidien en une expérience unique.
Natanya Nerenberg nous présentera une collection qui élève les gestes du quotidien en une expérience unique.
En tant qu'artisane, Valérie Blanchard puise son inspiration dans l'environnement naturel et bâti qui l'entoure: ses textures, ses mouvements, ses contours, ses variations de couleurs.
Elle conçoit et fabrique avec intention des objets en céramique pour la table et pour la maison. Elle mise sur une production à échelle humaine qui met en valeur le travail artisanal et la matière. Par l'utilisation de ces objets, elle souhaite participer à des rituels qui rappellent de ralentir le rythme et de prendre le temps d'apprécier les petits et grands moments.
Les objets céramiques faits de grès naturel de l'artisane témoignent de son amour pour la matière. Les formes sont rondes, douces et réconfortantes et incitent au toucher. Ses décors inspirés de la forêt et des bords de mer apportent de la beauté, de la lumière et du réconfort aux rituels quotidiens.
Les créations de Michèle Lavallée sont une réactualisation et une ré-interprétation moins formelle des vieux services à vaisselle ornés de motifs floraux. Elles expriment son amour de la nature et permettent d’inviter la nature à l’intérieur de nos habitations. Elle souhaite avoir un impact positif dans la vie des gens en leur permettant l’utilisation au quotidien d’objets pratiques, beaux et créés pour eux.
La pratique de la céramiste est marquée par la fabrication d'objets du quotidien, en accordant une grande importance à la fonctionnalité de chaque pièce. Son travail se distingue par la cuisson au bois mais aussi par la finesse des pièces, la simplicité des formes qui ainsi,laisse à l’émail, aux effets de flammes et de cendre tout l’espace nécessaire pour raconter leur histoire.
En céramique, l'artiste multidisciplinaire crée des objets décoratifs, fonctionnels et des sculptures de petites dimensions. Francine Potvin explore l’objet rituel, profane ou sacré, individuel ou collectif. Elle utilise principalement le façonnage manuel et explore la notion du vaisseau comme réceptacle: le vase; l’urne; et le lacrymatoire. Elle crée aussi des formes inspirées de galet, des formes oblongues ou ovoïdes que'elle grave de symboles archétypaux. Pour créer ses sculptures récentes, elle utilise une technique de trempage de matière végétale dans l’argile-papier qu'elle amalgame à des formes façonnées. Les sculptures résultantes rappellent des coraux.
Dans tous les cas, la dimension symbolique de ces réceptacles et des manifestations du vivant qui sont évoquées l’interpelle et nourrit sa pratique.
Le travail d'Ellen Leung consiste à insuffler de la joie dans les rituels quotidiens et simples grâce à des objets fabriqués main. Elle souhaite proposer des objets fonctionnels agréables à toucher, à utiliser et à regarder, qui éveillent la conscience et la curiosité. Elle est actuellement en processus d'auto-redécouverte en tant qu'artiste-ouvrière, réconciliant son statut d'être vivant et pensant qui exécute des tâches répétitives telle une machine, au service de la beauté et de la consommation.
Ce nouveau corpus d'œuvres fait partie de son exploration permanente de la manière dont elle peut embrasser la fonctionalité à travers le plaisir visuel et haptique, et faire coexister l'organique avec le structuré.
La pratique de Catherine De Abreu est intimement liée à sa façon d’exister dans le monde : elle crée afin de mieux comprendre ce qui l’habite et à mieux communiquer avec l’autre.
Créations d’art de la table confectionnées avec soin et rigueur à échelle humaine. Un souci particulier pour la qualité et la pérennité des pièces créées l’habite à toutes les étapes de la fabrication, ce qui favorise chez elle une certaine réconciliation avec les notions de durabilité et de décroissance économique auxquelles elle adhère.
Elle puise son inspiration de la vie qui l'entoure, qu’elle provienne de la nature, de la relation avec autrui, avec soi, ou avec l’environnement.
La démarche artistique de Jennifer Lys Grenier repose avant tout sur sa fascination pour la matière : leurs textures, leur plasticité, leur sensualité et leur patrimoine. Son impulsion à vouloir fabriquer est nourrie par son observation et par sa curiosité pour le monde physique, soit-il naturel ou créé.
L’essence de son identité artistique est la présence, l’intention et l’unicité.
Artiste multidisciplinaire, céramiste, enseignante, auteure-compositrice et musicienne, Eva Ferenczy-Reichmann crée des récipients au tour en utilisant divers types d'argile et en explorant également différentes décors et glaçures. Elle apprécie particulièrement le défi de créer différentes formes, de déformer et d'assembler les pièces pour obtenir la pièce/l'œuvre d'art finale, qu'elle soit sculpturale, fonctionnelle ou les deux à la fois. Elle cherche à créer quelque-chose qui apportera de l'élégance, de l'émerveillement ou simplement un sourire dans une maison. Ses œuvres sont des céramiques uniques, fantaisistes et originales dans leur conception et leur design.
Tourneur à la base, Christian Roy travaille maintenant sur sa propre collection depuis maintenant plus de 10 ans. Tournées et gravées à la main, ses poteries sont un amalgame de recherche de fluidité des mouvements et de techniques. Ses pièces mettent en valeur la nourriture partagée. L'ergonomie et les proportions sont au cœur de sa pratique.
La céramique habite Johanne Piché depuis plus de trente ans. Les qualités esthétique et technique du produit sont au premier rang de ses préoccupations en tant qu'artiste. Elle travaille la porcelaine et le grès, et emploie l'oxydation comme type de cuisson.
Muraï offre des pièces colorées et raffinées, qui mettent en valeur la fusion des glaçures et qui ont un design conçu pour le plaisir de l'utilisation (anses larges, lèvres des tasses minces, bols aux formes pratiques...). L'originalité et la vivacité des glaçures distingue son travail.
Avec la puissance de l’alchimie présente dans le processus de création de la céramique, Muraï souhaite que l’argile, l’eau, le feu, les glaçures et l’air interagissent de manière à créer des microcosmes où les éléments deviennent tangibles. Le cosmos, l’océan, le volcan et la végétation peuvent ainsi être imprimés dans une tasse ou dans une sculpture et leur puissance se transmettre au public.
Catherine Auriol de l'atelier Gaïa fabrique des objets pour le quotidien, cherchant l’équilibre entre la beauté de l’objet, le plaisir de l’execution et l'émerveillement jusqu’à résolution. Gaïa a eu pignon sur l'avenue Laurier E à Montréal près de 25 ans, jusqu'en mai 2023. Son image de marque est le respect de la technique et la qualité du travail.
Le travail de Jennifer Tannahill s'inspiré de la beauté et la fragilité de la nature. Elle fabrique à la main des vases en porcelaine qui sont ornés de délicates fleurs fanées dessinées à l'aide d'un crayon sous glaçure. Les pièces finies ressemblent à des dessins au fusain sur du papier plié, capturant la nature fugace de la vie et de la décomposition.
À travers son travail, Tannahill cherche à créer un sentiment de nostalgie et un caractère poignant, invitant le spectateur à considérer l'aspect éphémère de toute chose. Le contraste entre la physicalité durable du vase et la nature éphémère des fleurs représentées rappelle l'impermanence de la vie et l'importance de chérir le moment présent. Ses vases sont une célébration de la nature cyclique de la vie et un hommage à la beauté que l'on peut trouver même dans les moments les plus fugaces.
Trouvant son inspiration dans la nature, plus précisément dans les cours d’eau avec leurs galets de rivière poncés aux couleurs souvent surprenantes, Fabrica Ateleia vise à offrir un art de la table laissant libre court à l’imagination du client. En effet, avec ses lignes et formes disponibles autant en version classique qu’organique, et avec un vaste choix d’émaux assortis, le client peut donc se créer un ensemble complètement personnalisé et à son image. Les possibilités sont nombreuses et permettent ainsi une tablée unique de style « mix & match ».
Depuis 1996, la céramique stimule constamment l'imaginaire de Mariejosée Desjean et lui permet de créer de nouvelles pièces, décors et textures. Elle crée une céramique ludique et poétique et confère à chacune de ses pièces un caractère unique par leur décor. Ses créations sont la plupart du temps très colorées.
Elle explore d'autres techniques comme le tissage ou la gravure, pour ensuite en greffer des aspects à son travail. Elle y intègre aussi citations, héritage de ses études en littérature et de la place importante qu'occupent toujours les mots dans sa vie.
Daniel Gingras fabrique des pièces utilitaires pour un usage au quotidien. La principale caractéristique de sa production est son mode de cuisson dans le four à bois construit par l'artisan. Son art est utilitaire, d'inspiration japonaise. Il apprécie la perfection dans l'imperfection. Chacune de ses pièces possède un caractère unique, obtenu à la fois au tournage, qu'il souhaite spontané, et les effets de glaçures imprévisibles des cuissons au bois.
Elizabeth Hamel crée des œuvres d’une simplicité, d’une pureté et d’une délicatesse hors du commun. Elle se consacre exclusivement au travail de la porcelaine, maîtrisant ce médium capricieux dans l’élaboration de ses créations à l’esthétique très épurée et créant ainsi des œuvres utilitaires en porcelaine destinées aux arts de la table.
Elle polit les extérieurs de ses pièces et utilise un engobe noire pour les éléments de ses décors distinctifs. Les intérieurs sont émaillés au rouge de cuivre, ce qui lui permet d’obtenir des variations de couleurs par un procédé de supervision raffiné de l’oxydation de la glaçure, en contrôlant la quantité d'oxygène présente dans son four à gaz lors de l’étape de réduction.
Objets du quotidien en grès, les céramiques de Sarah-Jeanne Riberdy détiennent une facture épurée s'inscrivant dans la céramique contemporaine actuelle. C'est en utilisant les techniques de tournage et de moulage que la céramiste promeut son savoir-faire et ce, en alliant les aspects pratique et esthétique de la matière à travers un langage visuel minimaliste.
À travers son travail en façonnage, la jeune femme façonne des pièces qui lui permettent d'explorer la matière en déployant ses traces et mémoires, tout en recherchant l'équilibre visuel et spatial. Ces pratiques distinctes permettent à l'artiste de se retrouver dans des pôles opposés, et de jouer librement entre rigueur, savoir-faire, discipline, exploration, jeu et découverte.
Sa pratique artistique est intimement reliée à l’érosion des sols.
Lors de la création de ses pièces, Schueler intègre des papiers récupérés à l’argile afin d’en faire de la « terre papier ». Le papier brûle lors de la cuisson, ce qui confère à la céramique une certaine texture. Les empreintes laissées par les fibres du papier amènent une dimension organique à ses céramiques. Il se crée une cartographie aléatoire, mais maitrisée, du paysage qui fait écho à ses questionnements sur l’altération de l’environnement par l’humain.
Sentier d'exposition
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Une vie naturelle : Le don
Commissariée par Vicky Chainey Gagnon
Cette exposition présente les œuvres des artistes visuels Guillaume Bégin, Leisure (Meredith Carruthers et Susannah Wesley), Margaret Griffin, Sara A.Tremblay et la danseuse contemporaine Elise Legrand. Certains artistes étaient en résidence au centre Rozynski pour créer leurs œuvres ; d'autres sont venus à l'exposition avec des corpus d'œuvres qui reflètent la nature et l'argile. Chaque artiste a été chargé de réfléchir au don que Wanda Rozynska (1929-2007) et Stanley Rozynski (1931-2012) ont laissé aux générations d'artistes à venir sous la forme d'un studio de céramique.
C'est en 1964, onze ans après leur mariage et quelques années passées à faire de l'art à New York et à Montréal, que les Rozynski ont acheté une école à Way's Mills. Elle deviendra leur maison, leur studio et leur école d'été. Les œuvres d'art dans l’exposition sont accompagnées de vases de Wanda et de sculptures de Stanley, ainsi que de documents et de photographies tirés de leurs vastes archives non cataloguées. L'exposition dans son ensemble célèbre la vie naturelle des Rozynski et son impact sur les artistes d'aujourd'hui.
Pour plus d'informations sur les artistes, veuillez consulter leur site web :
Leisure
https://leisureprojects.tumblr.com/
Sara A.Tremblay
https://www.saraatremblay.com/
Elise Legrand
Margaret Griffin
Guillaume Bégin
Merci au Conseil des arts et des lettres du Québec, grâce à qui ce projet est rendu possible.